Artist Interview No.5 – END- Part. 2
ENDさんのインタビュー後編です！
前編ではハードコアシーンの話が中心でしたが、今回は絵についての話や、シーンの中での重要な人物としてシーンをどう見ているのか？みたいな話を聞いていきます。それでは、どうぞ！
This is the second part of our interview with END!
In the first part, we mainly talked about the world of hardcore, but this time we’ll talk about painting, and how he sees the scene as an important figure in the industry. So here you go!
−絵の質感とか出てくるキャラクターとか点と線の書き込みなど、そこにこだわりを感じるのですがルーツとかがあるのでしょうか？
よく知っているキャラクターのオマージュもENDさんのテイストが入ることで全然違うタッチが生まれているのが魅力と感じました。
感覚的なものですね。自分自身こういうタッチが好きなんだろうけど…。カートゥーンとかポップなテイストが好きな一方で、アメコミとかのキャラクターに陰のある様な絵も好きで、結果としてこういうテイストになっていったのだと思います。良い意味で雑な雰囲気というか手描きのラインが好きです。キャラクターなどのオマージュ系の作品は自分の線が出るまで色々と描いて、何を描いても自分らしい雰囲気になることを意識してますね。
いっぱい描いている人ならば意識しなくても自然と自分の雰囲気、質感、世界観、線のタッチになるので、そうなるまではひたすら描いて楽しむのがいいかなと。
-The texture of the pictures, the characters that appear, the writing of dots and lines, etc. I feel that you are particular about these things, but do they have an origin?
I found it fascinating that the homages to familiar characters were given a completely different touch by END’s taste.
It’s a very feeling thing. I guess I like this kind of touch myself… While I like the pop taste of cartoons and such, I also like the shadowy characters of American comics and such, and as a result, I think I ended up with this taste. In a good sense, I like the messy atmosphere and the hand-drawn lines. When I draw homages to characters, I try to draw them in various ways until I find my own lines, and I try to create my own atmosphere no matter what I draw.
If you’ve done a lot of drawing, you’ll naturally develop your own atmosphere, texture, worldview, and line touch without even thinking about it, so I think it’s best to just enjoy drawing until you do.
−Instagramで木の板に描いた絵をアップしていましたが、木の板に描くのって珍しいのでしょうか？
どうなのですかね？僕にとっては普通ですけど、周りでもたまに見かけますけど…なんだか可愛くないですか？ただそれだけです(笑)
板の質感も大好きで、紙に描くのと板に描くのでは全く違いますね。板の種類でも変わるし。この板だと使ってる画材との相性が良くて発色がすごく良いんですよ。見た目が可愛いとか、雰囲気が良いって僕にとってはとても大切で、歴史とかルーツとか調べはしますけどあまり詳しくなくて、アートって自分の感覚と見た目がフィットするのが大事だと思っています。
もちろん知識がある上で描くことはプラスになることだらけなんだけど、それをし過ぎるとなんだか理論的というかうんちくおじさんみたいになりそうじゃないですか（笑）
やっぱり普通の人はただ絵が好きだったりするのが普通なんでその印象だったりこの作品を飾りたいと思える感覚の方が大事ですね僕は。
何も知らないから飾っちゃ駄目とか、知ってる方が上だ…みたいなくだらないことは質を下げるだけなんで、自由にアートを楽しむことが一番大事だと思います。
-You posted a drawing on a wooden board on Instagram. Is it unusual to draw on a wooden board?
I’m not sure… It’s normal for me, but I see it around me sometimes… Isn’t it kind of cute? That’s all…lol
I love the texture of the board, and drawing on paper is completely different from drawing on a board. It also depends on the type of board. This board goes well with the art materials I use, and the colors are really good.For me, it is very important that the work looks cute and has a good atmosphere. I do some research on the history and roots of the work, but I don’t know much about it. I think it is important that the appearance of the work fits with my own sense of art.
Of course, there are many advantages to painting with knowledge, but if you do it too much, you’ll end up sounding like a theoretician or a cryptic uncle lol
I think it’s more important to have an impression or a feeling that makes you want to display the work, because ordinary people usually just like pictures.
I think the most important thing is to enjoy art freely, because trivial things like “you can’t display it because you don’t know anything about it” or “the person who knows more about it is better than the person who doesn’t know anything about it” will only lower the quality.
木の板で描かれた作品。木の温かい雰囲気と色の鮮やかさがフライヤーとはまた違う魅力を発しています。
Works drawn on wooden boards. The warmth of the wood and the vividness of the colors give it a different appeal from the flyers.
−点描の絵とかもすごく多いですけど、どのくらい制作に時間がかかるものなのでしょうか？細かいので時間がかかる作業なのかなと初心者目線では思ってしまいます。
1週間あればできるのかな？
1ヶ月の間に4、5枚描いていて、1日5、6時間に分けて進めている感じですね。
1枚だけだったら、3日くらいで描けるかな。
-How much time does it take to create such a dotted picture? I’m a beginner, so I’m wondering if it takes a lot of time to make them.
Can I do it in a week?
I’ve been drawing 4 or 5 pictures in a month, and I feel like I’m dividing it into 5 or 6 hours a day.
If it was just one piece, I could probably draw it in about three days.
−他の絵と並行して分けて進めていくのですね。
飽きちゃうというのもありますけど置いておく間に気づくことも多くて、絵を客観的に見られるんですよ。集中していると没頭しちゃうので、他の作品に取り組んでいる間に見えなくなっていたものが見えてくる様になるし、時間を置くと全然見え方も違ってくる…、大人になった証拠ですかね(笑)
若い頃は、がむしゃらに描いて「荒々しさが良い!!」みたいなことも言っていましたけど、謎の初期衝動に任せていましたよね。いま考えると「あぶねー」って話です(笑)
その初期衝動さが良い雰囲気なんですが、それは自分の中で年数と共にどんどん変わっていくものなんで自分で納得できるように作ろう…ってなっていった、結果ですね。
-You are working on this in parallel with your other paintings.
Partly because I get bored with it, but I also notice things while I’m working on it, and I can look at it objectively. When I’m focused, I get absorbed in the work, so I can see things that I couldn’t see while I was working on other works, and I can see things completely differently if I let it sit for a while… I guess that’s proof that I’ve grown up lol
When I was younger, I used to say things like, “Roughness is good !”, but I was letting my mysterious initial impulse take over. When I think about it now, it’s like, “That’s dangerous” lol
That feeling of initial impulse is a good vibe, but it’s something that changes over the years, so I decided to make it something I could be satisfied with.
−絵の勉強はしていたのでしょうか？
絵は独学ですね。
グラフィックデザインの学校は出ていますけど、Illustrator1.0とかの時代で、丸を描くとか、そういうのを勉強していただけで絵は完全に独学ですね。好きなアーティストや身近な友達の絵に影響されていった形です。
-Did you ever study painting?
I studied drawing by myself.
I went to a graphic design school, but it was in the days of Illustrator 1.0, and I was only learning how to draw circles and such, but I am completely self-taught in drawing. I was influenced by my favorite artists and the drawings of my close friends.
−独学でここまで描けるようになるってすごいですね…！どのくらいで描けるようになった実感がありましたか？
10年くらい経ってから描けるようになったなって思いましたね。
10年くらい経たないと人にも言えなかったですよ。10年たって30代に入ったところあたりで謎のスタート…みたいな感じかな(笑)
-It’s amazing that you can learn to draw so well on your own…! How long did it take you to realize that you could draw?
It wasn’t until about 10 years later that I felt I could draw.
I couldn’t even tell people about it until about 10 years had passed, and then I would start mysteriously in my 30s…lol
同席していたTokyo Urban Artキュレーターのシンヤさん：
-30代の時には完全にスタイル確立していましたよね。前にENDさんの企画でANTIKNOCKのライブイベントを二日連続でやったんですけど、マジでパンパンで。バンドも1日6〜7バンド出ていたんじゃないですか？
2013年に今までに自分が描いてきたバンドを集結させて。
2013年の当時はあまり普段組み合わせのないバンドが並んで、お客さん的には嬉しいイベントだったと思いますね。当時から世間的に認知度があるBRAHMANとかも新宿ANTIKNOCKという久々な箱に来てくれました。みんな面白がって出てくれましたね。
Shinya, the curator of Tokyo Urban Art, who was in the room with us.
-By the time you were in your thirties, you had completely established your style. I did an ANTIKNOCK live event for two days in a row, organized by END, and it was really packed. I think there were six or seven bands a day, right?
In 2013, I gathered all the bands that I had been working on.
I think it was a great event for the audience to see a lineup of bands that didn’t usually come together back in 2013. BRAHMAN, who have been recognized by the public since that time, came to Shinjuku ANTIKNOCK, which has been a long time coming. Everyone seemed to be interested in coming out.
なお後で聞いた話だとANTIKNOCKはかなり知る人ぞ知るライブハウスらしく、人から聞いた噂話ではありますが、30年くらい前にみんな暴れて死人が出るくらい過激な場所だったらしいです。ENDさんが関わるライブでも普通に椅子とか振り回しているとかもあるらしく、過激なのはバンドマンも観客も全員らしいです(笑)
ちなみにENDさん自身は10代から20代は自称荒々しかったらしいですが、今は穏やからしく袖や後ろの方でコーラ飲みながら父兄参観みたいに観ているとのことです(笑)
I was told later that ANTIKNOCK is a live music venue known only to those in the know, and from what I’ve heard from others, it used to be an extreme place where people would riot and die about 30 years ago. It seems that the band members and the audience are all extreme lol
By the way, END himself used to be rough and tumble in his teens and twenties, but now he seems to be calm and sits on the sleeve or in the back of the room drinking cola and watching the show like he’s visiting his children lol
−オリジナルキャラクターのお米のキャラクターであるライス君について教えてください。
これは遡るとゴリラ・ビスケッツ(※詳しくは前編を参照)が来日した時に、僕がフライヤーを担当して、その時に生まれたキャラクターです。
アメコミとか昔のアニメ文化が好きというのもありそういったアニメなどに必ず謎の丸いキャラクターがちょいちょい出てくるんですよ。簡単に言うと今でいうモンスターズ・インクのマイクみたいな。そのもっとサブサブキャラクターみたいな、そんな丸いキャラクターを自分も誕生させたくて。
アメリカから来るってことで、日本の米のキャラクターを作ったら喜んでもらえるかなと思って作りました。
-Please tell us about your original character, Rice-kun, the rice character.
This character was born when I was in charge of the flyer for the Gorilla Biscuits (see Part 1 for details) when they visited Japan.
I’m a big fan of American comics and old school anime culture, and there are always a few mysterious round characters in such anime. To put it simply, it’s like Mike from Monsters, Inc. I wanted to create my own round character that was more like a sub-sub character.
Since we had artists coming from America, I thought they would be happy if I made a Japanese rice character.
−ゴリラ・ビスケッツのメンバーの反応はどうだったんですか？
ゴリビスのメンバーはGOOD！のみの瞬殺でしたが（笑）周りの友達達からはめちゃめちゃ反応良くて。「なに？この気持ち悪いの？」って(笑)
そこからちょくちょく登場します。
-How did the members of Gorilla Biscuits react?
The only word I heard from the members was “GOOD” lol But my friends around me reacted really well. What? What’s with this creepy thing? Lol
Since then, he has been making frequent appearances.
−ゴリラ・ビスケッツもですが、海外のハードコアシーンの繋がりって、どういう所から生まれるものなのでしょうか？
ローカルシーンって横の繋がりが強くて僕が普段描いているバンドの人達が僕のことを伝えてくれて繋がりが増えたり、SNSで海外のバンドから直接メッセージが来たりしますね。
-As with Gorilla Biscuits, what kind of connections do you see between the hardcore scenes overseas?
In the local scene, there is a strong horizontal connection, so people from the bands I usually draw tell people about me and the connection grows, or I get direct messages from overseas bands on social media.
−すごいですね。やっぱり海外も含めハードコアに携わる人たちは「1回はENDさんに描いてもらわないと！」って、なっているわけですね。
そうなれることを目標に日々精進してます。海外の若手バンドからはとてもありがたいことにそういった言葉をもらえることもあり、死ぬまでにもっと名前を残していきたいですね。
-It’s amazing. People involved in the hardcore scene, both overseas and in Japan, are thinking, “I have to have END draw this at least once!” I guess that’s how it works.
I’m working hard every day to be able to do so. I’m very grateful to receive such words from young overseas bands, and I hope to leave more names behind before I die.
−今回は全然違うジャンルの人たちと展示することになりますけど、それについてはどう思いますか？
みんなそれぞれ違う世界でやっているけど、周りの友達やどこかしらで繋がっているアーティスト達なので安心してます。こういったギャラリーでの展示に関わったからには「成功だね」って言われるようにもっていかないとダメだなとは思いますしね。
アーティストが集まって展示するだけなら誰でもできるので、来た人にちゃんと面白いねって評価してもらえるようにね。
-This time you will be exhibiting with people from completely different genres, what do you think about that?
We are all working in different worlds, but we are all friends and artists who are connected in some way, so I feel relieved. I think that since we are involved in this kind of gallery exhibition, we need to make it a success.
Anyone can just gather artists and put on an exhibition, so I want to make sure that the people who come to the exhibition will appreciate it for what it is.
−ちなみに他のアーティストに対して対抗心のようなものとかはありますか？
負けないぞって気持ちとかはそんなにないですね。
自分の中で「カマしたい！」みたいな感覚はありますけど。
みんなの想像の斜め上はいきたいですね。
-By the way, do you have any kind of rivalry with other artists?
I don’t really feel like I can’t lose.
But I do have a sense of “I want to do it!”
I want to go beyond what people imagine.
−2019年以降はコロナ禍でしたが創作に影響はありましたか？
コロナの影響はないですね。より活発に動こうと思っていたので。
通販がメインでしたけどお店も変わらずで、基本は絵を描いていたし、生活のスタイルは変わらなかったです。
でもライブがなくなった影響でフライヤーを描くことがなくなっていたので、その間に和のタッチをメインにした個展をおこなってみたりしました。
-After 2019 was the Covid-19 pandemic, did it affect your creation?
That didn’t affect me. I was trying to be more active.
My mail order business was my main focus, but my store was still the same, and I was still basically drawing pictures, so my lifestyle didn’t change.
However, I didn’t draw flyers anymore because I didn’t have live concerts, so I held a solo exhibition with mainly Japanese touches in the meantime.
※和風テイストの絵。ちなみにこのテイストで活動する際は名義を「円度」に変えるとのことです。
※Pictures with a Japanese taste. When he works with this style, he will change his name to “円度 (Endo in Kanji)”.
−あの和風テイストは、どういうバックボーンで生まれたものなのでしょうか？
自分は歴史など詳しい訳じゃないですけど、元々「和」の世界観は好きで、歌川国芳とか、色々な絵師の浮世絵を見に美術館などに足を運ぶことは多いです。僕も細かい絵を描いているからなんでしょうけど、日本人特有の丁寧で繊細という所に美学があると思っていて、それが好きなんですよね。
それを自分でもやってみたいなと。和紙に縁起物ばかり描いています。立体物で招き猫やダルマとか贈られると、かさばるじゃないですか？(笑)
絵で送ると洒落た感じで商売繁盛など縁起も良くて喜ばれるし、和紙に通称アメリカン・インクと言われるインクを使ったシルク・スクリーンの技法で製作しているので、洋室にも和室にも合うようになっています。
古い旅館や数珠屋、お菓子屋さん、お寺さんにも達磨や招き猫など購入してもらいました。
どこか昔の雰囲気なんだけど、どこか今の雰囲気もあるのを想像しながら描いたりしています。
-How did that Japanese taste come about?
I don’t know much about history, but I’ve always liked the world of ” Japanese-ness”, and I often go to museums to see ukiyoe paintings by various artists, such as Kuniyoshi Utagawa. I guess it’s because I also draw detailed pictures, but I think there is an aesthetic in the politeness and delicacy that is unique to Japanese people, and I like that.
I’d like to try that myself.I draw all kinds of lucky charms on Japanese paper. If you receive a three-dimensional gift such as a Maneki Neko or a Daruma, it would be too much, wouldn’t it?
Sending them as pictures is stylish and also brings good luck and good fortune, and they will be appreciated. They are made using the silk-screening technique on Japanese paper using what is commonly known as American ink, so they are suitable for both Western and Japanese rooms.
People at old ryokan (Japanese inns), bead shops, pastry shops, and temples bought paintings of Daruma and Maneki Neko.
I try to imagine that the atmosphere is somewhat old-fashioned, but also somewhat current.
※歌川国芳：幕末に活躍した浮世絵師。他の浮世絵師と比較してもユニークでロックな雰囲気があり、巨大な髑髏をモチーフにした絵が有名。
※Kuniyoshi Utagawa: Ukiyo-e artist active at the end of the Edo period. He has a unique and rocky atmosphere compared to other ukiyo-e artists, and is famous for his paintings featuring giant skulls.
−これからの贈り物においてのニューノーマルになりそうな絵ですね！
ちなみに絵を描く際にメッセージは込めたりはするのでしょうか？
あまり作品に深いメッセージは込めないですね。僕の怨念みたいになってしまうから怖いなって（笑）
でもちゃんと意味のあるものだったり、メッセージのある作品もありますよ。
基本的にポジティブなものしか描かないですね…、ネガティブなものは描かない。
買ってもらって飾ったりする以上、毎日、「行ってきます」とか「ただいま」みたいなシチュエーションで「カッコいい絵だな」とか、「これを自分が買ったんだ、嬉しいな」って単純に自身の気分がアガったりして欲しいですしね。
ネガティブな人の線って特有の雰囲気があって、なんとなく分かるんですけど、そういう風にならないように考えています。
ネガティブをディスってはないですが自分はポジティブが好きで、毎日自分が買った絵を見るなら絶対にそこに自分に伝わってくるパワーがあったり魅力的に思える絵が良いです。
-It’s a picture that will become the new normal in gift giving!
By the way, do you put any messages in your drawings?
I don’t put too many deep messages in my works. I’m afraid it would be like my grudge lol
But there are also works that are meaningful or have a message.
Basically, I only draw positive things… I don’t draw negative things.
As long as people buy my work and hang it up, I want them to be able to say, “Ittekimasu(I’m off)” or “Tadaima (I’m home)” every day, and I want them to think, “That’s a cool picture,” or “I’m glad I bought that”.
The lines of negative people have a particular atmosphere, and I kind of know what they mean, but I try not to be like that.
I don’t mean to discourage negativity, but I like positivity, and if I’m going to look at the pictures I buy every day, I definitely want to see pictures that have power and appeal that I can feel.
−ENDさんにとってアートというのはポジティブなものなのですね。
先ほどコロナ禍というキーワードを出しましたが、もっと広い目線での話で、渋谷・原宿でずっと活動されてきていると思うのですが、カルチャーシーンとしてコロナで変化を感じた部分などはありますか？あと元々渋谷は権利関係が入り汲んでいて大手のデベロッパーが開発できなかった所に、当時の若い人たちが目を着けて入ってきて色んなお店ができてカルチャーの中心地になっていったわけですけど、いまは開発が進んでそういう店もなくなってきていて。実際、昔の原宿なんて家賃が安いから新しいモノが入ってこられる余地があったと思うんですよね。
難しいですけど、コロナの二年くらいで原宿や渋谷も変わって。
最近、営業など復活し始めていますが、海外客をメインにしていたところは大変そうですね。でも個人経営は変わらず厳しい時代になってきていますよね。立退問題やら家賃やらで。僕も更新ごとに大変だったりするし（笑）。でも渋谷はカルチャーの街として発信していくべきだと思うし、若いパワーって昔から経済を動かすくらいのムーブメントになるじゃないですか。
90年代2000年代当初はギャル文化やクラブ全盛期カルチャー文化とかがたくさんあって、そこから派生する流行が小学生からおじいちゃんおばあちゃんまで巻き込んで、経済に大いに貢献してるというか。そういうパワーや経済を動かすほどの若者文化ってあったじゃないですか。なんで、渋谷にはいろんな分野のカルチャー系のお店とかがあり続けて欲しいなって思っています。
-So, for you, art is a positive thing, isn’t it?
I mentioned the keyword “Covid-19” earlier, but from a broader perspective, you have been active in Shibuya and Harajuku for a long time, but have you noticed any changes in the cultural scene in this situation?
Also, Shibuya was originally a place where major developers couldn’t develop because of the intricate rights involved, but the young people of the time took notice and came to the area, creating a variety of stores and making it a center of culture, but now that development has progressed, those stores are disappearing.
In fact, rent in Harajuku used to be cheap, so there was room for new things to come in.
It is difficult, but Harajuku and Shibuya have changed in the last two years.
Recently, sales and other activities have started to revive, but it seems to be difficult for places that mainly targeted overseas customers. However, private businesses are still facing tough times, aren’t they? There are problems with vacancy and rent. I also have a hard time renewing my lease lolBut I think that Shibuya should be a town of culture, and the power of youth has always been a movement that can move the economy.
In the 90s and early 2000s, there was a lot of gyaru culture and club culture, and the fads that came out of that contributed greatly to the economy, involving everyone from elementary school students to their grandparents. There was a youth culture that had the power to move the economy, wasn’t there? That’s why I want Shibuya to continue to have cultural stores of various fields.
−駅周辺とかが高くなってしまって、スライドしていくような場所ってあるんですか？
多分無いんじゃないかな、人によってバラバラですね。自分の地元でカフェを出し直すみたいな話も聞きますし…。
コロナの世の中になって今までの良いものが駄目になって駄目だと思われているところがありみたいにもなってますもんね。
場所も同じで今はどこでやってもやり方次第でプラスにもマイナスにもなると思います。さっきも言いましたけど、例えば僕の店の裏に友達のタトゥーショップがあって、ちょっと歩いたら友達のレコードショップがあって、暇な時に遊びに行けて、そういうカルチャーに付随した店などが密集すれば、自分らの中で生きていく為の経済が回る…というのが成立すると思うんですよね。だからコアな店って絶対に大事ですね。
アンテナの感度の高い人はアンテナの感度が高い所に行くので。そういう所を見つけて、そこからコミュニティが生まれて、一緒になんかやったり、自分の感性とアンテナで見つけられる場所というのは存在し続けて欲しいと思います。
そういった店を探したり見つけたりすること自体が楽しいですもんね。
-Is there a place like the station area or something that is getting more expensive and is going to slide?
Probably not, it varies from person to person. I’ve heard that some people are trying to reopen cafes in their hometowns….
With the arrival of Covid-19, it seems that the good things that used to be good are no longer good, and the places that people think are bad are now good.
It’s the same with places. I think it can be positive or negative depending on how you do it.As I said before, for example, there is a tattoo store of a friend of mine behind my store, and a record store of a friend of mine a short walk away, and I can go visit them in my free time. I think that’s how it works. That’s why core stores are absolutely important.
People with highly sensitive antennas will go to places with high sensitivity. I would like to see such places continue to exist, where people can find them with their own senses and antennas, where communities are born, and where people can do things together.
It is fun to look for and find such places, isn’t it?
−ありがとうございます。後進のフォロワー的なアーティストなども多くいるかと思うのですが、そういった若手などにお伝えしておきたいことなどがあれば…！
もう少しアーティストとして自分を大事にして欲しいと願ってるかな。批判ではないのですよ（笑）
最近は特にそれが普通になってきていますが、自分の思いもしない形でバズったり、段階をとばして有名になったりすることってよくあると思うし見かけるけど、そうなると自分の本当にやりたいことができなくなっちゃって、結果その人の良さが薄れる…という様なことが色々なジャンルのアーティストでも多い気がする。
自分の等身大を見つめてセルフコントロールしながら活動して欲しいですよね。
“有名になる＝自身が楽しい、満足感”は違うと思うので。有名になればなるほどやっぱり商業的になっていくから、自分の様なカルチャーに属しているアーティストはそこを上手く見極めて欲しいなあ。もちろん有名になることは嬉しいことでそこを皆目指しているんですけど。
どんどん認知度が上がっていくこと自体は素晴らしいと思います。色々な有名なとこや人と何かをすることは本当に限られた人しかできないし。
でも自分がってなると話は別です、元々いた場所での活動が魅力的でそのパワーが目立つから企業や有名な所が目を付けるじゃないですか、でも自分が魅力的になっていた場所をなくしてしまったらもう別のアーティストやもっというとアートサラリーマンにも見えていくと思うんですよ。人それぞれの考えですが自分はやっぱり好きであり続けているバンドシーンや自分の周りのアーティスト達と共有していく世界観は守っていきたいですね。
そもそもフライヤーアーティストって名乗っているくらいなんで（笑）僕は「アーティスト」っていうのは自分の技術を磨いて芸術性を高め表現してる人のことだとおもっています。デザイナーともやっぱ全然違うし自身のアートの魅力をちゃんと見せれる場所や魅せ方を自分自身でちゃんとディレクションしたいねってことです。
もちろん僕も日々考えて奮闘中ですけどね。
自分主催のアート展などをやっている理由はそういうことです。
今まで応援してくれてる人達が自分の魅力を買ってくれてるわけで、その人たちは本当に近い存在のお客さんだしそういった近さが心地良いんです。
等身大で自分主催の個展はずっとやっていきたいなと思っていますね。
-Thank you very much. I’m sure there are many artists who are followers of your work, but if there is anything you would like to tell these younger artists…!
I guess I just wish they’d take a little more care of themselves as artists. It’s not a criticism lol
Recently, this has become normal, but I think it’s common to see people go viral in ways they didn’t expect, or become famous in stages they didn’t expect, but when that happens, they can’t do what they really want to do, and as a result, their good qualities are diminished… I think this happens to many artists in various genres.
I want them to look at their own life size and work with self-control.
I think there’s a difference between “being famous” and “being happy and satisfied with yourself”. The more famous you become, the more commercial you become, so I hope that artists who belong to the culture like myself will be able to find the right balance.Of course it’s great to be famous, and that’s what we’re all aiming for.
I think it’s great that we’re getting more and more recognition. There are only a limited number of people who can do something with various famous places and people.
But when it comes to me, it’s a different story. I think that companies and famous places take notice of you because you are attractive and your power is noticeable, but if you lose the place where you were attractive, you will look like a different artist or even an art salaryman. It’s up to each person to decide, but for me, I want to protect the band scene that I’ve always loved and the world view that I share with the artists around me.
I even call myself a flyer artist to begin with lolI believe that an “artist” is a person who polishes his or her skills to enhance and express their artistry. It’s also completely different from being a designer, and I want to direct myself in a way that I can properly show the appeal of my art and where I can show it.
Of course, I’m still struggling to figure out how to do that.
This is the reason why I hold my own art exhibitions.
The people who have supported me up until now are the ones who buy into my charms, and they are the ones who are really close to me, and I feel comfortable with that kind of closeness.
I would like to continue to hold my own solo exhibitions on a life-size scale.
−最後のご質問ですが、今後の野心みたいのがあれば！
アート展などでスレッスレで怒られたいですね（笑）でも結果カッコいいとみんなが思ってくれたら成功ですよね。自分たちのやったアートがいずれ評価され、あの時は怒られたけどやっぱりあの作品はカッコよかったよね！って言われる様な事をしたいです。
ただ捕まりたくないからジャンケンで最初に責任者決めたいよね(笑)
野心じゃないけど作品をもっと作って個展や自分が関わる企画など増やしたいです。
その時はみなさんぜひ見にきてくださいね！一緒に遊びましょう！
-And as for your last question, if you have any kind of ambition for the future!
I want to be on the edge of getting pissed off at art exhibitions and solo shows lol But if everyone thinks it’s cool, then we’ve succeeded. Eventually, the art we do will be recognized and people will say, “You were pissed off at the time, but that work was really cool!” I want to do something like that.
I just don’t want to get arrested by the police, so I’d like to decide who’s in charge first by playing rock-paper-scissors lol
It’ s not my ambition, but I would like to create more works and have more solo exhibitions and projects that I am involved in.
When that happens, I’d love for everyone to come and see my work! Let’s play together!
ということでENDさんのインタビューでした。
最近はアートもマネタイズが求められる時代の中で、ハードコアというアンダーグラウンドシーンで骨太に生きて、お金に拘らず良いモノを創り続けるってのは、ちょっと胡散臭い言葉になってしまうかもですが、シーンへの”愛”に尽きるのだなと思いました。
So, this was an interview with END.
In an age where art is also required to be monetized these days, living in the underground hardcore scene and continuing to create good things without worrying about money is a bit of a stinky word, but I think it comes down to “love” for the scene.
なによりハードコアという文化はその生い立ち上、ビッグマネーとは縁遠い世界であることは変え難い事実ですが、比較的裕福な国である日本で美学を形骸化させずに、ミュージシャンに優しく寄りそうスタンスはなによりもハードコアだなと感じました。
It’s hard to change the fact that hardcore culture is far from big money due to its origins, but I felt that in Japan, a relatively wealthy country, the stance of being kind to the musicians without letting the aesthetics become a skeleton is more hardcore than anything else.
最後に次回予告になりますが、次は盆栽作家の浜本祐介さんをご紹介させていただきます。え!?次は盆栽!?とビックリもする方もいらっしゃるかと思いますが、次回もお楽しみに！
Finally, as a preview of the next article, I would like to introduce Yusuke Hamamoto, a bonsai artist. What? Bonsai is next? I know some of you may be surprised, but please look forward to the next installment!
2021/12/15-12/22
A group exhibition
D o N o K o ? Vol.2
Curated by TOKYO URBAN ART , GReeD TOKYO
at @noma__official
ARTIST /
END
MAI NAGAMOTO
Johnny Akihito Noda
YUSUKE BONSAI KID
Flyer Artist東京出身（TOKYO）
国内外のHARDCOREやPUNKシーンのフライヤーを中心にアーティストとして活動中。
自身が影響を受けた80、90年代のUS HARDCOREやPUNKのフライヤーを現代のフライヤーへと継承する姿勢や信念が特徴的。
自身の活動する場所やバンドなどに絵を提供しつつ、個展やライブペイントなどで自身の個性も表現している。
「誰かにとっては意味の無いことだけど、誰かにとっては意味のあることなんだ」という言葉を信念に、現在も止まらず描き続けている。
また、”円度”名義として和紙や緻密な線画などの手法を使った「和」を全面に出す作品製作に取り組んでいる。
数年に一度個展も開催し、アーティストとしての和と洋の世界観幅を広げている。
Flyer Artist from Tokyo
Currently working as an artist for flyers of HARDCORE and PUNK scenes in Japan and abroad.
He has a characteristic attitude and belief that the US HARDCORE and PUNK flyers of the 80’s and 90’s, which he was influenced by, should be passed on to modern flyers.
While providing pictures for the places and bands where he works, he also expresses his own personality through solo exhibitions and live painting.
He believes in the phrase, “What is meaningless to someone else is meaningful to someone else,” and continues to draw without stopping.
He also works under the name of “円度 (Endo in Kanji)”, using Japanese paper and precise line drawings to create works with an overall sense of ” Japanese”.
He holds a solo exhibition once every few years, and is expanding the range of his worldview as an artist, both Japanese and Western.
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